L'artiste et photographe américaine Brooke Shaden a passé des années à explorer la dualité de la nature humaine dans son travail. Née en 1987, Shaden est devenue l'une des photographes les plus connues de l'art moderne. Elle est reconnue pour ses images conceptuelles dans lesquelles elle se met en scène dans des décors ressemblant à un monde imaginaire. Après avoir terminé l'université en 2008, elle décide d'explorer sa passion pour la narration et commence plonger dans les profondeurs de son âme, en confrontant les peurs de son intense imagination enfantine. Brooke réalise principalement des autoportraits, mais elle n'hésite pas à photographier d'autres personnes. Nombre de ses photographies évoquent un sentiment d'épiphanie dans un lieu inconnu. Il est facile de se sentir lié à ses images, car elles incarnent une exploration personnelle et résument les thèmes de l'obscurité et de la lumière. Elle cherche à montrer aux autres une partie essentielle d'eux-mêmes qui était peut-être tapie dans l'ombre auparavant. Ainsi, elle se considère davantage comme une dénicheuse que comme une créatrice. Shaden a étudié le cinéma tout au long de ses études en Pennsylvanie, près de l'endroit où elle a grandi. Elle n'avait que 25 ans lorsqu'elle a fait partie de l'exposition collective "101 Best Photos" de PhotoVogue Italia en 2012. Au fil des ans, elle a reçu 18 prix conceptuels pour son travail et a participé à plus de 80 expositions collectives et individuelles en Amérique et en Europe, sa toute première exposition ayant eu lieu en 2009. Comme indiqué précédemment, la passion inébranlable de Brooke est de raconter des histoires, et elle continue à réaliser des portraits tout en écrivant et en prononçant des discours de motivation. Elle nous permet également d'approfondir son processus mental et physique dans son blog intitulé "Promoting Passion". Elle cherche à mener une multitude de vies, sa curiosité servant de feu perpétuel d'inspiration.

Idan Wizen est un artiste photographe dont le travail se concentre sur la diversité, la beauté de l'humanité et la liberté individuelle explorée sous de nombreuses formes. Propriétaire de la galerie d'art du Studio Idan, située au cœur de Paris, il consacre avant tout son temps et son énergie à son art, visant à capturer des moments authentiques et intimes à travers son objectif. Né en 1984 à Tel-Aviv, Idan a suivi un parcours artistique riche et varié, se perfectionnant à Paris, où il a finalement établi son propre studio. Son projet phare, "Un Anonyme Nu Dans Le Salon", reflète sa passion pour la photographie et son engagement à représenter la diversité humaine. Ce projet ambitieux rassemble des milliers de portraits de personnes de tous horizons, chacun célébrant la beauté unique de l'individu. La liberté individuelle est un thème clé dans le travail d'Idan, exploré sous de nombreuses formes à travers ses œuvres. Sa collection "Hinders" en est un exemple marquant, abordant les entraves personnelles et sociales qui façonnent nos vies. Ses photographies capturent l'essence de ses sujets, mettant en lumière leur singularité et leur humanité avec une grande sensibilité. Idan a réalisé plus de 50 expositions en France, aux États-Unis et au Japon, partageant ainsi son travail avec un public international. Ses œuvres ont été largement reconnues et récompensées, ayant reçu de nombreux prix de photographie internationaux. La galerie d'art du Studio Idan est plus qu'un simple espace d'exposition. Elle est un lieu de partage et de découverte, où Idan présente non seulement ses œuvres, mais aussi celles d'autres artistes partageant une vision similaire de l'art et de l'humanité. Idan Wizen continue d'explorer et de repousser les frontières de la photographie, cherchant toujours à capturer l'essence de ses sujets avec respect et profondeur. Son travail offre une perspective nouvelle et inclusive sur la beauté et la diversité humaine, célébrant la liberté individuelle et l'authenticité.

Mathilde Oscar est née à Paris en 1980, elle vit et travaille à Cannes. Elle incarne une artiste multifacette dont l’évolution artistique est aussi fascinante que diversifiée. Son parcours artistique est une odyssée qui fusionne la passion de la peinture, l’étude approfondie de l’histoire de l’art, le graphisme, et la photographie, pour finalement donner naissance à un langage visuel singulier. Au commencement, Mathilde Oscar a exploré les méandres de la peinture, un médium qui a capturé son cœur et son esprit. Cette période a été une exploration enrichissante de la créativité, façonnant ainsi sa perception artistique. L’histoire de l’art est devenue son alliée, lui offrant une profonde compréhension des maîtres classiques qui ont marqué les siècles passés. Au fil des années, Mathilde a élargi son horizon créatif pour se plonger dans le monde du graphisme. Cette immersion a été une période de transformation où elle a affiné sa maîtrise des formes, des couleurs et des compositions visuelles. Cependant, ce n’était que le prélude à une métamorphose plus significative. En 2013, de manière autodidacte, elle choisit la photographie comme moyen d’expression, offrant une toile nouvelle à ses idées picturales profondément enracinées dans les mouvements artistiques allant de la Renaissance au Néo-classicisme. Dans ses photographies, Mathilde Oscar parvient à capturer une atmosphère saisissante, conférant à ses œuvres une qualité quasi-picturale. Son processus créatif implique fréquemment la fabrication minutieuse de décors, de costumes et d’accessoires, bien que certaines de ses inspirations puissent s’agrémenter d’éléments numériques qui viennent s’harmoniser dans sa composition photographiée. Ce qui distingue véritablement Mathilde est son talent pour entrelacer les codes de la peinture classique avec la photographie contemporaine et la culture pop. Ses portraits, souvent anachroniques et décalés, défient les conventions et semblent suspendus dans un espace-temps insaisissable, tout en regorgeant de références subtiles à l’histoire de l’art. Son univers artistique est d’une grande variété. Tantôt romantique, tantôt imprégné de surréalisme, il est marqué par un trait d’humour subtil. Les personnages qu’elle capture deviennent des icônes intemporelles, tandis que ses portraits féminins revêtent une aura de Madones, et ses figures masculines (qu’elle prend plaisir à réinventer au féminin) semblent revisiter des archétypes christiques. En somme, Mathilde Oscar est une artiste qui transcende les frontières artistiques, faisant fusionner le passé et le présent, la peinture et la photographie, pour donner naissance à un monde visuel captivant.

Le photographe français Louis Blanc est né en 1956 et vit à Toulouse depuis plus de dix ans. Blanc n'a jamais reçu d'éducation formelle en photographie et a appris à maîtriser sa technique seul. Il publie ses travaux sur des forums de photographie et participe à des concours. Des années 1980 aux années 2000, il expérimente différents appareils photo, dont un Minolta et un compact numérique. Après avoir passé un certain temps à perfectionner son art et à acquérir une vaste expérience, il décide de passer à un reflex en 2010. Avec son nouvel équipement, il a pu se concentrer sur ses principaux centres d'intérêt et a donné naissance à son projet CORpuS en 2011. L'idée de cette série lui est venue après avoir remporté un concours sur un forum. CORpuS a été une expérience enrichissante pour Blanc, car il s'est rendu compte que l'image du corps était quelque chose qui évoquait beaucoup d'émotions et de réflexions profondes. Comme on peut le voir, les images de CORpuS ont un arrière-plan neutre, car le corps contorsionné suffit amplement à susciter la conviction. Le processus artistique de Blanc commence par une idée non définie, un peu comme un brainstorming, mais le résultat final est le point culminant de nombreux plans et redirections, ce qui le rend à la fois intentionnel et non planifié. En outre, Blanc n'évite pas de placer le corps dans des poses dérangeantes. En fait, la plupart des images de CORpuS repoussent les limites du corps humain. Les images ont été réalisées en autoportrait, à l'aide d'un retardateur et d'une télécommande. Louis Blanc émerge dans le monde de la photographie depuis une dizaine d'années, et son travail n'est pas exempt d'éloges. En 2014, il a rejoint la communauté des artistes soutenus par Maecene Arts. La série CORpuS s'est fait connaître dans toute la France, étant publiée dans de nombreux magazines dont La Provence et Réponses Photo. Au fil des ans, cette série a fait l'objet de plus de 40 expositions internationales, notamment en France, en Russie, à New York, au Japon, en Italie et à Prague. Il a également été publié dans le magazine Monaco Culture de Monaco et dans la Tribune de Genève en Suisse. Il va sans dire que le monde entier devrait garder un œil sur les prochaines réalisations de Louis Blanc.

Deborah Zuanazzi, née en 1995 en Italie, est une photographe d'art italienne. Dès son plus jeune âge, Deborah a montré un talent créatif naturel, ce qui l'a menée vers les arts pendant ses années de lycée, culminant par un diplôme en Restauration d'Art. Malgré sa formation classique, Deborah a découvert sa véritable voix artistique à travers la photographie, qu'elle utilise comme un moyen puissant pour exprimer ses émotions et ses idées. Deborah a perfectionné ses compétences à l'Académie Albertina des Beaux-Arts de Turin, où elle a étudié les nouvelles technologies de l'art. Au cours de son parcours académique, elle a commencé à se faire reconnaître pour son travail, remportant plusieurs prix internationaux. Sa première grande réussite est survenue lors du concours photo Nikon en 2016/2017. Son profond bagage en art traditionnel et en histoire de l'art influence fortement son approche photographique. Le travail de Deborah se distingue par ses qualités surréalistes et de clair-obscur, créant des images à la fois évocatrices et visuellement saisissantes. La post-production joue un rôle essentiel dans son processus créatif, lui permettant d'améliorer et de peaufiner ses photographies. Actuellement, Deborah réside à Turin, où elle poursuit sa passion en tant que photographe d'art et artiste numérique. En plus de ses activités artistiques, elle occupe également le poste de directrice artistique pour une agence créative basée à Londres, équilibrant ses deux rôles avec une remarquable dévotion.

Arnaud Baumann, photographe portraitiste et vidéaste français, naît en 1953 et laisse une empreinte indélébile dans le monde de la photographie. Sa carrière débute aux côtés du photographe Xavier Lambours, avec qui il a l'opportunité de capturer des moments uniques et intimes en photographiant les coulisses, les fous rires et les conférences de rédaction des magazines Hara Kiri et Charlie Hebdo. Cette expérience marque le début d'une carrière prometteuse. Au fil des années, Arnaud Baumann publie des reportages dans des magazines de renom tels que Hara Kiri, Libération, Le Nouvel Observateur, Télérama, VSD, Paris Match et Géo, démontrant ainsi son talent et sa polyvalence en tant que photographe. Durant l’une des périodes marquantes de sa carrière, de 1978 à 1983, Arnaud Baumann immortalise les soirées du Palace de Fabrice Emaer. À travers ses photographies, il capture l’essence même de ces soirées, nous plongeant dans l’atmosphère électrique et libérée d’une époque révolue. Arnaud Baumann consacre une grande partie de sa carrière au portrait, devenant un maître dans l’art de révéler l’essence des personnalités et des acteurs de la culture. Ses portraits sont empreints d’une profondeur et d’une sensibilité, au point de capter l’âme de ses sujets. Tout au long de sa carrière, Arnaud Baumann réinvente son style tout en restant fidèle à ce qui fait de lui un photographe générationnel. Sa pratique photographique repense les liens entre la structure de sa vision et la réalité qui l'entoure. Ses photographies sont reconnaissables par leurs cadrages précis, leurs couleurs choisies et leurs compositions toujours maîtrisées. 

Le parcours artistique de Dina Goldstein s'étend sur plus de trois décennies. D'abord photojournaliste, elle est devenue une artiste indépendante qui se consacre à la photographie narrative élaborée. Son travail témoigne d'un commentaire social complexe, mêlant archétypes culturels et imagerie collective à des récits enracinés dans l'expérience humaine. S'inspirant du surréalisme, Dina construit des compositions qui mettent à nu les dessous de la vie contemporaine, remettant en question les influences culturelles dominantes et les systèmes de croyance profondément ancrés. En 2007, Dina Goldstein s'est embarquée dans un voyage spécifique, alimenté par des expériences personnelles et une vision critique de l'histoire du "bonheur éternel" perpétuée par Disney et adoptée par la société occidentale. En tant que féministe et nouvellement mère, elle s'est opposée à la représentation stéréotypée des femmes et des filles dans les histoires de Disney. Sa série "Fallen Princesses" (2007-2009) met en scène des princesses de contes de fées humanisées et confrontées à des défis modernes tels que le cancer, la toxicomanie, l'obésité, la guerre et la dégradation de l'environnement. Ce travail poignant lui a valu le prix Virginia en 2014, un prix international pour les femmes photographes, et a donné lieu à des expositions à Paris, au Quebec et aux USA. Le projet suivant de Dina, "In The Dollhouse" (2012), se déroule dans une maison de poupée grandeur nature, conceptualisée de manière complexe, habitée par des poupées humaines Barbie et Ken. Dans cette réalité alternative, Barbie subit une transformation en coupant ses emblématiques mèches blondes, tandis que Ken se lance dans un voyage à la découverte de soi. La série suscite des discussions sur les idéaux de beauté inatteignables, le mythe de la perfection et la relation entre la beauté, le pouvoir et le bonheur. "In The Dollhouse" a été largement exposée, notamment dans le catalogue Frida Kahlo et Diego Rivera du musée d'Orsay et dans la collection FotoMuseo en Colombie. Son ambitieux projet "Gods Of Suburbia" (2014) plonge dans le monde des religions établies et marginales. Les divinités de diverses traditions sont dépeintes comme mortelles, s'adaptant aux défis de la vie moderne. En offrant une interprétation iconoclaste de la façon dont les systèmes de croyance anciens se croisent avec les piliers de la modernité - la technologie, la science et la laïcité - les créations surréalistes de Dina incitent les spectateurs à contempler la pertinence de l'éthique ancienne et des systèmes de croyance durables. La série a été exposée dans le monde entier, "The Last Supper" ayant trouvé un écho particulier en Italie.

Anna Laza, une artiste visuelle influente dans le domaine de la photographie artistique, tisse une tapisserie de styles innovants à travers son objectif. Ses projets plongent profondément dans les domaines de la prise de vue et de la post-production, créant une fusion unique de technique et d'émotion. Acclamée internationalement, son œuvre a non seulement été exposée dans le monde entier, mais elle a également remporté de nombreux prix prestigieux, y compris des distinctions lors de concours renommés tels que LensCulture. L'art d'Anna trouve sa place dans les pages de magazines de photographie de renom, et son œil averti est souvent recherché pour faire partie de jurys prestigieux lors d'événements photographiques. Au-delà de ses créations personnelles, Anna est la visionnaire derrière FotoSlovo, un magazine dédié à la découverte et à la célébration des nouveaux talents émergents en photographie chaque année. Son projet "Story of Love" est une exploration poétique de l'éloquence silencieuse des mains humaines, exprimée à travers le médium intemporel de la photographie en noir et blanc. Ici, les mains deviennent les seuls protagonistes, chaque geste révélant un chapitre dans l'intricate tapisserie des émotions et des relations humaines. Dans cette collection, Anna capture l'essence brute et tactile des émotions — affection, confiance, unité, et même colère. Chaque photographie est une narration en soi, dépeignant l'histoire universelle de la connexion humaine à travers le langage du toucher physique. "Story of Love" est une célébration des liens intemporels qui nous unissent tous, capturant le langage universel du toucher dans sa forme la plus pure et expressive. À travers son objectif, Anna Laza nous invite à témoigner de la beauté profonde et de la complexité de l'interaction humaine, offrant un aperçu de ce langage silencieux mais éloquent qui en dit long sur notre humanité partagée.

Gérard Rancinan est une figure majeure de la photographie contemporaine, dont l'œuvre transcende les limites de la simple image pour s'inscrire dans un dialogue permanent avec notre société. Né en 1953, il débute sa carrière comme photojournaliste avant de se tourner vers une approche plus artistique dans les années 1990. Ses œuvres, exposées dans des musées et des galeries prestigieuses à travers le monde, telles que le Palais de Tokyo à Paris, la Triennale de Milan ou encore le Shanghai Himalayas Museum, sont reconnues pour leur esthétique monumentale et leur engagement critique. Rancinan utilise la photographie pour questionner les dérives et les contradictions du monde contemporain. Son style est marqué par une mise en scène méticuleuse qui, mêlée à une dimension narrative, dépeint un univers où s'entrechoquent mythes modernes, tensions sociales et transgressions culturelles. Ses séries comme la Trilogie des Modernes et Métamorphoses ont été largement saluées, et il a été récompensé à plusieurs reprises par des prix prestigieux, dont plusieurs World Press Photo. Véritable « témoin éveillé des métamorphoses de notre Humanité », Rancinan est aussi l'un des photographes français les plus cotés aux enchères, avec des œuvres atteignant des prix records, notamment lors de ventes à Londres et Paris. En 2014, il a été classé parmi les photographes plasticiens les plus influents au niveau mondial. Sa démarche ne se contente pas de capturer l'instant, elle le transcende pour révéler des vérités dérangeantes sur notre époque, rendant son travail à la fois profondément artistique et intellectuellement subversif

Née à Paris dans une famille allemande, Clara Diebler plonge dès son plus jeune âge dans le monde magique de la photographie argentique. Son esprit curieux et explorateur la pousse à superposer deux négatifs, révélant ainsi un univers parallèle, riche et énigmatique. Depuis cette découverte, Clara tisse son propre monde visuel, nous emmenant dans un voyage où chaque élément semble relié par des fils invisibles de poésie et de mystère. Avec une sensibilité unique, Clara Diebler mêle habilement des nus, des portraits, des structures architecturales et des motifs floraux, créant une alchimie visuelle saisissante. Chaque cliché devient alors une fusion de deux visions : celle du modèle et celle du photographe, de ceux qui voient et de ceux qui ressentent. À travers son objectif, elle capte et sublime cette dualité intrinsèque, cette féminité romantique et universelle qui sommeille en chacun de nous. Son œuvre est une danse délicate entre l’essence féminine et l’universalité, tout en conservant une singularité marquée par une vision originale. Anachronique et mélancolique, brute et splendide, l’esthétique de Clara Diebler est une invitation à contempler le monde sous un nouveau jour, à découvrir la beauté cachée dans la dualité de l’existence humaine. Chaque photographie de Clara est une fenêtre ouverte sur un rêve éveillé, où le passé et le présent s'entrelacent, où la douceur rencontre la brutalité, et où la mélancolie se transforme en magnificence. Par son regard, elle nous offre une perspective intime et universelle, nous rappelant que la beauté réside dans les contrastes et les harmonies secrètes du monde.