Studio Idan – Art et Photographie

La collection "La Forme des Choses" par la photographe française Manon Deck-Sablon est une exploration audacieuse de la relation entre le corps humain et son environnement. Utilisant ses compétences et sa sensibilité acquises durant sa formation en architecture et paysage, Deck-Sablon crée des scènes où des corps nus, anonymes et dépourvus de toute sexualisation ou genre spécifique, interagissent avec l'espace qui les entoure de manière absurde et poétique. Dans cette série, les modèles transcendent leur identité personnelle pour devenir des formes abstraites et désarticulées. Ils se fondent dans des paysages architecturaux ou naturels, modifiant la perception habituelle de ces espaces. La présence humaine, ainsi mise en scène, provoque une interrogation sur notre rapport à un environnement parfois perçu comme hostile ou étranger. Paradoxalement, ces corps dénudés et ces interactions spatiales insolites permettent une réappropriation de l'espace urbain et naturel, offrant de nouvelles perspectives et réinsufflant sens et vie dans l'environnement. "La Forme des Choses" invite le spectateur à une réflexion sur la place de l'humain dans son milieu et sur la manière dont notre présence modifie et est modifiée par les espaces que nous habitons. À travers ses œuvres, Manon Deck-Sablon questionne les limites entre l'artifice et le naturel, le construit et l'inné, et révèle la beauté sous-jacente dans la simplicité des formes et des interactions. Déjà reconnue pour son approche novatrice, Manon Deck-Sablon a exposé son travail lors d'expositions collectives et individuelles, ainsi que dans diverses publications d'art et d'architecture. Comparée à l'artiste Spencer Tunick pour sa gestion des corps dans l'espace, Deck-Sablon se distingue néanmoins par sa prédilection pour des compositions géométriques impliquant un nombre restreint de modèles, accentuant ainsi l'effet de chaque corps sur l'espace environnant. "La Forme des Choses" est une collection qui célèbre l'interaction entre le corps humain et le monde qui l'entoure, dévoilant la puissance de l'expression corporelle dans la redéfinition de notre rapport à l'environnement. C'est une invitation à contempler et à repenser les dynamiques entre l'être humain et l'espace, entre l'abstraction et la matérialité, entre le chaos et l'ordre.

Que diront les générations à venir lorsqu’ils parleront du monde que nous leur avons laissé ? Idan Wizen a souhaité représenter un dialogue intergénérationnelle entre les spectateurs d’aujourd’hui et la représentation des enfants du futur. Loin d’une vision pessimiste du futur, il exprime le besoin urgent de tirer la sonnette d’alarme pour le bien de notre planète et des enfants à venir. Par cette série photographique, il presse le spectateur à comprendre que ses actions et ses inactions ont des conséquences dans un futur allant bien au-delà de son existence et qu’il ait de sa responsabilité de choisir au- delà de son intérêt immédiat. La question sous-jacente de cette œuvre est bien entendu irréversibilité de nos choix et de nos actions : sera-t-il un jour trop tard pour inverser le cours des choses et peut-on remettre éternellement les problèmes à demain ?

"Un Anonyme Nu Dans Le Salon" est un projet artistique unique qui vise à constituer la plus grande série photographique jamais réalisée représentant l'humanité telle qu'elle est, dans son état le plus naturel, sa nudité et sa diversité. Développé par le photographe Idan Wizen, ce concept d'art photographique vise à réunir des milliers de modèles, volontaires de tous âges et de toutes catégories sociales pour constituer une immense galerie de portraits d'hommes et de femmes d'aujourd'hui qui ont accepté de se montrer tels qu'ils sont, nu. Ces photographies, dans leur multitude et l'originalité de chacune d'entre elles, leur dynamisme et leur naturel, témoignent de la beauté humaine universelle, bien au-delà des critères socio-culturels et esthétiques restrictifs de notre époque. Celui qui pose dans son plus simple appareil participe par sa propre personnalité, ses différences et ses particularités à l'universalité de l'humanité. Idan Wizen a choisi d'exacerber la véritable authenticité de chacun de ses modèles, brisant leurs possibles masques, exposant à travers chacun d'eux, la beauté simple et nue de la nature humaine. Il défie également les critères habituels de la photographie de nu avec ses clichés chocs, à fort parti pris artistique, où la provocation spontanée d'un modèle peut interagir avec l'expression joyeuse et naïve d'un autre ou la modeste révélation d'un troisième. Par l'uniformisation des critères de beauté de notre société ainsi que ses modes d'expression, "Un Anonyme Nu Dans Le Salon" oppose la multitude, la variété, la force de caractère, le mouvement, le surprenant et le naturel à l'état brut de l'humanité. Chaque photo est unique tout comme son modèle et jamais retouchée. Cela nous interpelle inévitablement et crée en nous un curieux sentiment de proximité, d'appartenance. Parce que ces modèles, c'est nous tous. Ému ou bouleversé par la fraîcheur d'un sourire, la rondeur d'une courbe, un regard enjoué, un cri de défi ou la fragilité d'une silhouette, nous aimerions garder avec nous une de ces photos, l'image d'un être parmi les multitude du genre humain, un nu dans le salon !

Une collection de photographies dynamiques qui réimagine les icônes religieuses dans des teintes pop et acides vibrantes, remettant en question les conventions et embrassant la provocation. Dans cette mini-série, le Salvator Mundi de Léonard de Vinci est représenté aux côtés de ses homologues féminins, guidés par les addictions, tandis que Jésus devient le prophète de Miami, diffusant son message à l'ère 2.0. La collection explore les nouveaux dogmes et les modèles contemporains, présentant une nouvelle perspective sur l'imagerie religieuse dans le monde d'aujourd'hui.

Wanderlust capture l'essence de l'exploration aventureuse à travers des portraits mis en scène qui transportent les spectateurs dans des mondes imaginaires. Cette collection combine trois séries à caractère ethnique, brouillant les frontières entre le rêve et le voyage tout en mettant en lumière des femmes d'origines diverses. Le portrait est au cœur de la narration, chaque image racontant une histoire captivante par son cadre et son regard. De la conception des décors et des costumes à l'intégration de la mode et de la beauté contemporaines, la créativité du photographe transparaît. Découvrez l'attrait de la beauté exotique et embarquez pour une odyssée éphémère à travers les yeux de femmes fortes et fières.

La collection "Virtual Street Art" d'Idan Wizen offre une fusion audacieuse entre architecture urbaine et humanité brute. À travers cette série innovante, Wizen superpose des corps nus issus de sa collection Purity du projet "Un Anonyme Nu Dans Le Salon" sur des prises de vue architecturales des villes, intégrant ces formes humaines sur les façades des bâtiments comme s'il s'agissait de fresques de street art. Ces œuvres numériques, qui marient la rigidité des structures urbaines à la vulnérabilité de la chair, invitent à une réflexion critique sur la visibilité de la nudité dans l'espace public. Elles soulignent un contraste frappant avec la banalisation de la violence et des armes, mettant en lumière la manière dont la société priorise et réagit à différentes formes de représentations. "Virtual Street Art" n'est pas seulement un hommage à la beauté du corps humain; c'est également un commentaire provocateur sur les normes sociales et culturelles qui régissent notre perception de l'acceptable et de l'inacceptable. En plaçant la nudité au cœur des rues, Wizen défie les tabous et incite à un dialogue nécessaire sur la liberté d'expression et les limites de la censure dans l'art et la vie publique. Découvrez cette collection, où chaque image est une invitation à questionner les codes de notre société et à réévaluer notre confort face à la nudité, contrastée si vivement avec les symboles quotidiens de conflit et de confrontation.

Explorez la relation complexe entre la nature, les insectes et l'impact de l'humanité sur la planète. À travers des images étonnantes, cette collection explore les conséquences potentielles de la dégradation de l'environnement, en se concentrant particulièrement sur le sort des abeilles et d'autres insectes. Mathilde Oscar présente un récit qui donne à réfléchir, juxtaposant les thèmes de la beauté et de la répugnance dans un décor post-apocalyptique teinté de rococo. Les spectateurs sont invités à affronter leurs peurs et à reconsidérer leur perception des insectes, car les photographies brouillent la frontière entre la réalité et la fiction. "Dystopia" est une exploration captivante de la fragilité de la nature et de la complexité de la coexistence dans un monde en mutation rapide.

Dans la série “Résille”, Marie de Duve capte l’interaction entre le corps et le textile, repoussant les limites de l’abstraction. L’utilisation des collants en résille agit comme une grille, filtrant et distordant la réalité du corps en dessous, le transformant en une série d’ondulations et de formes géométriques. En se rapprochant, chaque photographie réduit le corps à des éléments abstraits; les lignes sinueuses et les espaces délimités par la maille se transforment en un tableau de contrastes noirs et blancs. Les gros plans des collants en résille, en enveloppant le corps humain, transforment la peau en une mosaïque de motifs géométriques, évoquant les œuvres de l’art optique par leur capacité à tromper l’œil et stimuler l’imagination. Chaque cliché est à la fois un acte de révélation et de dissimulation, où la résille masque autant qu’elle dévoile, coupant et déformant la forme humaine en motifs abstraits. Les mailles simplifient la complexité organique du corps en éléments fondamentaux de lumière et d’ombre, de présence et d’absence, fragmentant ainsi l’identité du sujet et ouvrant la porte à une multitude d’interprétations. Marie de Duve manie la tension entre le concret et l’abstrait, l’érotisme et la distance. Ses images illustrent une danse entre visibilité et mystère, où les corps se métamorphosent en paysages abstraits de textures et de formes.

Une exploration captivante des archétypes féminins, mêlant la force et la confiance modernes à l'esthétique de la Renaissance. Grâce à un art habile, la collection offre un choc visuel, défiant les attentes et mélangeant harmonieusement des éléments baroques et contemporains. Chaque photographie est une fenêtre ouverte sur une autre réalité, où les femmes naviguent dans la société de la Renaissance avec grâce et défi, remettant en cause les conventions historiques. Célébrant la résilience et l'action, "Hors du Temps" suscite une réflexion sur l'identité et la découverte de soi, invitant les spectateurs à un voyage extraordinaire à travers les âges. Le passé rencontre le présent dans un spectacle époustouflant de créativité et d'autonomisation.

La photographie, comme toute forme d’art, est une quête de quelque chose. De soi ? De vérité ? Recherche de provocation ? Il y a vingt-cinq ans, la génération libérée d’après 68 pouvait goûter bien des plaisirs sans trop craindre la sanction du chômage, pas encore celle du sida et moins qu’aujourd’hui celle des extrémismes idéologiques et religieux. Dans les année 80, la chute imminente du Mur de Berlin et une Europe en marche, allaient abolir quelques frontières, ces misères archaïques installées entre les peuples… Nous vivions dans l’espoir d’un monde meilleur. Plus libre. Ma soif de liberté, associée à une recherche identitaire, me conduisit à faire poser, dans le plus simple appareil et détaché de toute considération esthétique, mes amis et relations. « Carnet d’Adresses » (éd. du DTV), recueil de portraits nus, célèbres et inconnus, clamait la vérité du regard, sans complexe ni complaisance. Alors que l’entente européenne peine à subsister, d’autres menaces, climatiques ou conflictuelles, viennent assombrir l’horizon. À cela s’ajoute le retour de la morale étriquée de nos aînés. Ma quête de vérité toujours vitale, me conduit à risquer de choquer en montrant ce travail personnel, débridé mais assumé, œuvres sans concession de mes jeunes années de photographe.

Cette collection met en regard des personnalités extraordinaires avec la vie de banlieue. À travers une série de photographies saisissantes, Goldstein remet en question les notions de croyance contemporaine, en juxtaposant des dieux et des déesses emblématiques de diverses cultures à la banale réalité de l'existence en banlieue. Cette collection gratte le vernis de notre culture, révélant les aspirations, les luttes et les désirs de la société moderne sur une toile de fond à la fois familière et surréaliste.

La série photographique cORpuS, créée par l'artiste autodidacte français Louis Blanc, est un voyage fascinant dans l'univers de la représentation du corps humain. Née en 2011, après une série d'expérimentations et de réflexions personnelles intensifiées par le passage de Blanc à un équipement reflex professionnel, cORpuS se distingue par sa capacité à capturer la complexité, la beauté et parfois l'étrangeté du corps humain. Chaque photographie de cORpuS est le résultat d'un processus créatif unique, démarrant souvent par une idée vague, évoluant à travers une série d'essais et d'erreurs jusqu'à atteindre une forme d'expression qui défie les conventions. Blanc emploie des techniques d'autoportrait pour mettre en scène son propre corps dans des contorsions qui poussent les limites de l'expression corporelle, utilisant un retardateur et une télécommande pour capturer ces moments intenses de solitude et de découverte de soi. L'arrière-plan neutre des images met en évidence le sujet principal : le corps lui-même, déformé, étiré, parfois mis en poses dérangeantes, mais toujours captivant. C'est une exploration de la forme humaine qui invite à la réflexion sur la condition humaine, sur la fragilité, la force, la beauté et l'angoisse qui peuvent être exprimées par le seul langage du corps. Depuis son lancement, cORpuS a suscité un vif intérêt et a été exposé dans plus de 40 expositions internationales, de la France au Japon, en passant par New York, l'Italie et la Russie. Cette série a non seulement été saluée par la critique dans des publications comme La Provence et Réponses Photo, mais a également été reconnue dans des médias internationaux, y compris Monaco Culture et la Tribune de Genève. À travers cORpuS, Louis Blanc ne se contente pas de capturer des images; il provoque un dialogue avec le spectateur, un dialogue où les contours du corps parlent d'émotions profondes, d'histoires non dites et de la beauté dans l'imperfection. Cette série est un testament à la vision artistique de Blanc, une vision qui continue d'évoluer et de captiver un public mondial.

Dans la société d'aujourd'hui, on se retrouve souvent enchaîné par différents problèmes comme les réseaux sociaux, la surconsommation, le travail, les relations malsaines. L'émancipation et l'épanouissement sont donc des éléments clés nécessaires à la poursuite du bonheur. Pour y parvenir, cependant, nous devons faire face à de nombreux obstacles, défis et entraves. L'objectif de la nouvelle collection Hinders en cours est de montrer à quel point l'humanité est aveuglée par les problèmes quotidiens sans se rendre compte de ces chaînes.

Fusionnant différents thèmes inspirés de la peinture classique et de maîtres comme Ingres, Vermeer, Botticelli et bien d'autres, Pop Classicisme propose une réinterprétation de la mythologie et du nu, mêlant l'humour décalé à la beauté simple. Il n'y a pas de message spécifique, mais plutôt une invitation à apprécier le plaisir de regarder des chefs-d'œuvre universellement connus d'un point de vue nouveau. Cette collection offre un regard différent qui s'adresse à tous, permettant d'apprécier à nouveau des œuvres d'art intemporelles.

Plongez dans l'époque légendaire de la boîte de nuit "Le Palace". Découvrez l'essence du plaisir, de la liberté et de l'insouciance qui a marqué ce lieu emblématique parisien en avril 1978. Plongez dans le monde captivant des œuvres d'Arnaud Baumann, qui immortalise l'esprit vibrant du passé à travers ses photographies uniques et authentiques. Découvrez l'alliance séduisante de l'art et de l'histoire, capturant les nuits inoubliables de cette célèbre boîte de nuit. Explorez la narration visuelle d'une époque qui continue de fasciner et d'inspirer.

Une collection photographique qui expose les paradoxes et les contradictions de notre société. À travers des symboles énigmatiques et des images anachroniques, chaque chapitre explore des thèmes tels que la pureté érotique, la religion impudique, l'innocence malsaine et la beauté laide, révélant le côté sombre et le déclin de l'humanité. Ces mondes absurdes servent de miroir à nos comportements cachés et à nos aspects inavoués, soulignant le fragile équilibre entre l'ombre et la lumière dans notre nature. Alors que l'humanité est aux prises avec ses contradictions, "Les Mondes Insensés" incite les spectateurs à se confronter aux complexités de notre existence et aux paradoxes inhérents à notre société.

La collection d'art "Into The Box" émerge comme une réflexion poignante sur notre capacité à trouver la créativité et l'inspiration même dans les moments les plus contraints. Alors que le monde artistique navigue à travers une période marquée par l'incertitude, cette collection illustre la persévérance et l'ingéniosité des artistes qui transforment l'isolement en une source d'inspiration profonde. Conçue par l'artiste plasticien Idan Wizen durant le deuxième confinement en France, "Into The Box" naît d'un contexte où l'accès au monde extérieur et au public était restreint. Privé de la présence de ses habituels sujets photographiques, Wizen se tourne alors vers lui-même et ses collaborateurs comme modèles, explorant les dimensions intimes et universelles de l'expérience humaine en temps de crise. La boîte, élément central de cette collection, symbolise l'espace confiné dans lequel nous avons tous été contraints de nous retrouver. À travers cette métaphore, les œuvres explorent une gamme d'émotions intensément ressenties pendant le confinement - de la frustration et la colère à la contemplation et l'apathie. Chaque pièce capture l'essence d'une introspection forcée, révélant les émotions complexes et souvent contradictoires qui cohabitent en nous. "Into The Box" pose également une question provocatrice : notre sensation d'enfermement est-elle uniquement due à la pandémie de Covid-19, ou est-elle amplifiée par les barrières que nous érigeons nous-mêmes ? En explorant cette idée, la collection invite à une réflexion sur la manière dont nos "bulles de confort" personnelles peuvent parfois se transformer en prisons, limitant notre expérience émotionnelle et notre relation avec le monde extérieur. À travers "Into The Box", Idan Wizen ne se contente pas de documenter une période historiquement difficile ; il offre un miroir dans lequel nous pouvons tous nous regarder, nous interroger sur notre propre résilience et notre capacité à trouver la lumière, même dans l'obscurité la plus profonde. Cette collection est une invitation à embrasser l'ensemble de nos émotions et à reconnaître la beauté et la force qui émergent de la vulnérabilité.

"Fallen Princesses" de la photographe Dina Goldstein est une collection captivante et stimulante qui donne une tournure contemporaine à des personnages de contes de fées intemporels. Dina Goldstein amène habilement ces princesses dans le monde réel, en les confrontant aux réalités souvent dures de la vie moderne. La juxtaposition du magique et du banal, où les princesses bien-aimées sont aux prises avec des problèmes tels que la maladie, la dégradation de l'environnement, le divorce et les pressions de la société, remet en question les notions idéalisées perpétuées par les contes traditionnels. À travers ses photographies, l'artiste soulève des questions importantes sur les attentes de la société, les rôles des hommes et des femmes et la résilience des femmes face à l'adversité, invitant les spectateurs à reconsidérer les idées reçues et à apprécier la force nécessaire pour naviguer dans les complexités de la société d'aujourd'hui.

Les réalités des femmes et les pressions de la société sont cachées dans un monde dominé par des idéaux construits de beauté et de féminité. La collection "In The Dollhouse" de Goldstein déconstruit la façade de la perfection domestique en présentant des scènes où des poupées emblématiques, telles que Barbie, sont aux coeur de problèmes, tels que le vieillissement, l'image corporelle et les attentes de la société. À travers son objectif, Goldstein émet un commentaire critique sur les normes superficielles imposées aux femmes, mettant en lumière les conséquences que ces attentes peuvent avoir sur le bien-être mental et émotionnel d'une personne.

Dans sa collection saisissante "Exploration of Self", l'artiste et photographe Brooke Shaden plonge au cœur de l'introspection et de l'auto-découverte. Chaque œuvre de cette série révèle une facette de son voyage personnel à travers l'autoportrait, offrant un miroir à l'âme où la dualité intérieure et les questionnements existentiels sont mis en lumière. Née dans l'immensité créative de son esprit, cette collection a vu le jour comme une quête pour déchiffrer les mystères de son être. Dans "Exploration of Self", Shaden navigue à travers les ombres et la lumière de son identité, tissant des histoires visuelles qui vont au-delà de la simple représentation. Elle met en scène des mondes oniriques où chaque élément, chaque texture, et chaque couleur contribue à la narration d'une introspection profonde. Ses images deviennent des catalyseurs pour la réflexion personnelle, invitant les spectateurs à s'engager dans leur propre exploration de l'âme. Cette collection incarne une période de transition et de croissance pour Shaden, qui utilise la photographie comme un outil pour affronter et apprivoiser les aspects cachés de sa personnalité. "Exploration of Self" illustre sa capacité à transformer la vulnérabilité en force, dévoilant une beauté brute dans l'acte de se révéler à soi-même. Chaque image est un pas vers la compréhension de ses propres peurs, désirs, et rêves, dans un voyage qui est autant personnel qu'universel. Reconnue pour son approche novatrice et sa technique impeccable, Brooke Shaden continue de captiver et d'inspirer avec "Exploration of Self". La collection a été exposée dans de nombreuses galeries et a reçu des éloges pour sa profondeur émotionnelle et son esthétique unique. À travers ce travail, Shaden ne se contente pas de se découvrir elle-même ; elle offre une invitation à tous de s'engager dans une quête similaire d'auto-exploration, démontrant une fois de plus pourquoi elle est considérée comme une voix influente dans l'art contemporain.

Une collection qui explore la relation de l'humanité avec la nature et le potentiel de transformation. À travers des images saisissantes et des récits allégoriques, la collection met en lumière les conséquences de la dégradation de l'environnement et le besoin urgent de changement. Mathilde Oscar présente un récit d'espoir et de renouveau, où les individus ont le pouvoir de se métamorphoser et de devenir les super-héros de demain. La série symbolise un voyage de découverte de soi et d’harmonie avec la nature, invitant les spectateurs à faire preuve d’empathie et d’unité pour rétablir l’équilibre du monde. "Métamorphoses" est un rappel poignant de l'importance de l'action collective pour préserver notre environnement et renouer avec notre véritable essence.

Le Who’s Who est l'annuaire des gens censés peser dans la vie d’un pays. La première édition anglaise date de 1849, la française de 1953. Celle d’Arnaud Baumann, plus récente, plus fraîche, plus déboutonnée, a commencé dans les années 80, lorsque, jeune photographe, il s’est mis à cadrer dans son viseur des gens qui comptaient, en particulier pour lui. Par exemple l’escouade libertaire du journal Hara-Kiri, dont il reste un esprit, une œuvre perturbatrice et mal élevée, un héritage, une descendance, une tragédie – la tuerie de Charlie Hebdo en janvier 2015 – et un livre-bible, Dans le ventre de Hara Kiri (Éd. La Martinière, 2015), échographie tumultueuse réalisée par Arnaud Baumann avec son alter ego de longue date, le photographe Xavier Lambours. La différence entre le Who’s Who ordinaire et le sien, c’est que dans le sien ce sont les textes qui sont brefs et secondaires, et les photos qui sont grandes et qui importent.

La collection "Figures", conçue par la talentueuse photographe française Manon Deck-Sablon, représente une quête artistique remarquable visant à estomper les frontières entre le corps humain et le cadre environnemental dans lequel il s'insère. En choisissant délibérément des sujets nus, anonymisés et libérés de toute attribution sexuelle ou identitaire, Deck-Sablon transforme ces corps en éléments fondamentaux d'une toile plus grande, jouant habilement sur les dynamiques de présence et d'absence, d'espace occupé et de vide. Ces modèles, par leur simple existence dans l'œuvre, transcendent leur individualité personnelle pour se fondre dans des compositions géométriques où le dialogue entre le physique et le spatial atteint une résonance visuelle profonde et captivante. Au-delà de la simple célébration de la nudité dans sa forme la plus épurée, "Figures" engage le spectateur dans une introspection sur la relation intrinsèque entre l'être et l'espace qu'il habite. Manon Deck-Sablon, par le prisme de son objectif, nous incite à repenser notre conception de l'environnement, qu'il soit naturel ou construit, en orchestrant une symphonie visuelle où l'étrange côtoie le familier, où l'harmonie émane de l'inattendu. Cette série n'est pas seulement une exploration de la forme humaine mais aussi une méditation sur notre intégration et notre interaction avec le monde qui nous entoure. "Figures" nous convie à une réévaluation de notre perception de l'espace et du paysage, en proposant une fusion harmonieuse entre l'abstrait et le concret, entre le chaos et l'ordre, éveillant ainsi une nouvelle conscience de la beauté inhérente à notre relation symbiotique avec la nature.

Les Amours Des Dieux s'inspirent d'œuvres d'art intemporelles de l'histoire pour aborder le thème captivant de l'amour divin. De l'union légendaire d'Eros et Psyché aux escapades amoureuses des dieux grecs comme Jupiter et Hadès, ces récits mythologiques de passion, de trahison et de destin ont été immortalisés dans des sculptures, des fresques et maintenant, dans la réinterprétation de Mathilde Oscar à travers des autoportraits en techniques mixtes. Découvrez l'éternelle complexité de l'amour divin alors qu'Oscar insuffle une nouvelle vie à des thèmes séculaires, capturant l'essence de la romance mythologique dans un contexte contemporain.